Top 10 Rocker, die besser sind als Elvis

Ich möchte gleich sagen, dass diese Liste Elvis Presley nicht als geringfügig anzusehen ist. Ich hatte nur ein bisschen Spaß mit dem Titel, um Interesse und Emotionen zu erzeugen, aber ich bin ein Elvis-Fan und seine Wirkung, Beliebtheit und Chart-Erfolge können nicht geleugnet werden. Aber seien wir ehrlich, wann haben Sie zum letzten Mal jemanden gehört, der einen Elvis-Song abgedruckt hat? Die Antwort lautet "niemals", weil Elvis kein Lied schreiben konnte, um sein Leben zu retten. Tatsächlich erzielte er Hits mit Liedern, die von einigen Künstlern auf dieser Liste geschrieben wurden. Das heißt nicht, dass das Schreiben Ihrer eigenen Songs das einzige Maß für Talent, Einfluss und Respekt ist. Seine Verteidiger werden behaupten, dass er ein großartiger Arrangeur war, der die Songs anderer zu seinen eigenen machte, ganz zu schweigen davon, dass er ein ausgesprochen charismatischer Interpret war, der sogar einige auf dieser Liste beeinflusst hat, der ich zustimmen würde. Aber für diese Liste von Rock and Roll PioniereIch wollte über die obligatorische Wiederholung von Elvis 'Superstard hinausblicken und stattdessen zehn weitere legendäre Rockabilly- und Rockkünstler aus den 1950er Jahren vorstellen, die den Verlauf der Rock'n'Roll-Geschichte maßgeblich beeinflussten.

Diese Ära der amerikanischen Musik hatte einen großen Einfluss auf die aufkeimende Popszene Großbritanniens (Cliff Richard & the Shadows und Vince Taylor & the Playboys waren frühe Nachahmer), die bald mit den USA und der Welt explodieren würde Britische Invasion der frühen bis mittleren 1960er Jahre. Viele dieser Acts, von den Beatles bis hinunter, haben diese Jungs verehrt, ihre Stile imitiert und ihre Songs überdeckt. Ich hoffe, Sie genießen und stimmen mit meiner Auswahl überein. Wie immer geben Sie bitte Ihre Anmerkungen in den Kommentaren an alle weiter, die ich vermisst habe!

10

Link Wray

http://www.youtube.com/watch?v=1NAq4HyoNe4

Fred Lincoln Wray Jr., der als "Pate des Power-Akkords" bekannt ist, führte im Alleingang Fuzz und Verzerrung der Massen ein und ebnet den Weg für den schweren, riffbeladenen Metal-Angriff, der noch kommen wird. Sein 1958-Instrumental, Rumble, ist wahrscheinlich einer der schlechtesten Songs aller Zeiten. Bei seiner Veröffentlichung wurde es in einigen Radiomärkten aufgrund seiner „gewalttätigen Bilder“ verboten, was angesichts der Tatsache, dass es keine Texte gibt, eine ziemliche Leistung ist. Trotz des Mangels an Airplay sprang es auf Platz 16 der Popcharts, aber was noch wichtiger war, hatte es großen Einfluss auf zukünftige Gitarrengötter und Stars wie Eric Clapton, Jimmy Page, Bob Dylan, Ray Davies, Jimi Hendrix und Jeff Beck und Neil Young, ganz zu schweigen von Lennon und McCartney. Pete Townsend hat diesen Song direkt als Grund dafür angesehen, weshalb er die Gitarre aufgenommen hat. Wrays Bedeutung überschreitet den bescheidenen Chart-Erfolg, den er nach Rumble hatte, aber er hatte ein paar Follow-Hits wie Raw-Hide, Comanche und Jack the Ripper, unter anderem weniger bekannte, aber ebenso rauhe Stücke. Ich halte das für ein eklatantes Versäumnis, er ist noch kein Mitglied der Rock and Roll Hall of Fame, aber er ist zu Recht in der Rockabilly Hall verankert. Ich konnte keinen guten Vintage-Clip finden, in dem er Rumble live spielte, und obwohl neuere Aufnahmen von ihm vorhanden sind, habe ich mich entschlossen, die Original-Studioaufnahme hier zu veröffentlichen, um den Song in seinem rechtmäßigen Kontext besser zu würdigen.

Bonus-Kleinigkeiten: Der Dokumentarfilm It Might Get Loud aus dem Jahr 2008 zeigt einen großartigen, ehrlichen Abschnitt mit Jimmy Page in seinem Heimmusikraum, der eine Vinylseite von Rumble auf seinem Plattenspieler dreht, Luftgitarre spielt und wie ein junger Junge strahlt, der über sein Idol sprudelt.

9

Duane Eddy

Gerade als Link Wray mehr Fans von Delinquent-Natur zu interessieren schien, war Duane Eddie für die geradlinigeren und saubereren weißen Vorstadt-Jugendlichen des Tages da. Eddys einzigartiger Gitarrenspielstil, bei dem die tiefen Saiten hoch im Nacken gezupft und gebogen werden, um Einzelnotenmelodien zu bilden, die mit Tremolo- und Echoeffekten verbessert wurden, brachte ihm den Spitznamen "King of Twang" ein, und seine Einflüsse sind in der Band zu hören Werke vieler späterer Künstler wie George Harrison, John Fogerty und Bruce Springsteen, um nur einige zu nennen. Der instrumentale britische Hit "Apache" aus den 1960er Jahren schien ein direkter Nachkomme von Eddys Twang zu sein. Sein unverkennbarer Sound wurde durch die häufige Begleitung von Saxophon-Werken des späten großen Session-Mannes Steve Douglas und später von Jim Horn noch mehr unterstrichen. Sein Debütalbum Have 'Twangy' Guitar - Will Travel aus dem Jahr 1958 ritt über ein Jahr lang in den Charts und war damit einer der ersten Rockstars, der auf dem LP-Markt Erfolg hatte. Dieses Album enthielt fünf Instrumental-Hit-Singles, darunter seinen bekanntesten Song Rebel Rouser, und war auch eine der ersten Rockplatten, die in Stereo veröffentlicht wurden. Insgesamt erreichte Eddy fünfzehn Top 40-Singles und hat über 100 Millionen Platten verkauft, was ihn zum erfolgreichsten Rock-Instrumentalisten aller Zeiten macht.

Bonus-Kleinigkeiten: Duane Eddy war 1960 der erste Rockmusiker, der seine eigene Signature-Modellgitarre mit seiner Billigung herstellen ließ: die Guild Duane Eddy DE-400 und die Limited Edition DE-500. In seiner Blütezeit spielte Eddy tatsächlich einen 57er Gretsch Chet Atkins Modell 6120 Hohlkörper und 1997 produzierte Gretsch eine "DE" -Version des 6120.

8

Jerry Lee Lewis

http://www.youtube.com/watch?v=8yRdDnrB5kM

Sagen Sie, was Sie über Jerry Lee Lewis 'Lifestyle-Entscheidungen sagen werden, aber bitte beachten Sie, dass meine Bewunderung für diese Jungs auf ihre dauerhaften Beiträge zur Rock-Geschichte und nicht unbedingt auf ihr persönliches Leben gerichtet ist. Ich glaube nicht, dass es "cool" ist, dass Lewis seinen 13-jährigen Cousin Myra geheiratet hat, als er 23 Jahre alt war, und die meisten Fans des Tages auch nicht, da er viele Kontroversen auslöste und seine Karriere ziemlich zum Erliegen brachte . In seiner Blüte war er jedoch wirklich „The Killer“, als sein rasendes und dynamisches Klavierspiel und sein rötlicher Gesangsstil die Bühne beleuchteten.Seine strenge religiöse Erziehung war für ihn eine Quelle von Konflikten - seine Mutter schrieb ihn in die Bibelschule ein, wurde aber wegen Trompete aus dem Haus geworfen - und er hielt seine Rock'n'Roll-Berufung immer für Teufelsmusik. Er wuchs mit Gospelmusik auf und begann im Alter von 8 Jahren mit dem Klavierspiel.

Andere frühe Einflüsse waren Country-Ikonen Jimmy Rodgers, Hank Williams und Moon Mullican. Lewis hatte ein fast enzyklopädisches Wissen über Honky-Tonk, Western-Swing und Hillbilly-Blues, und er kombinierte diese Stile mit seinem eigenen unverwechselbaren Sound. Von Sam Phillips bei Sun Records unter Vertrag genommen, war seine erste Single 1956 ein Up-Tempo-Cover des Country Stars Ray Price's Crazy Arms. 1957 brach er jedoch mit Whole Lotta Shakin 'Going On die Nummer 3 der Rock-Charts und Great Balls of Fire trifft Nummer 2 (beide landeten auf Platz 1 der Country-Charts). Seine Karriere war rasant, aber während seiner Tournee in England erfuhr die britische Presse von seiner Ehe mit Myra und aß ihn lebend. Die Tour wurde abgesagt, und als er in die USA zurückkehrte, stellte er fest, dass seine Songs im Airplay verboten waren und er Glück hatte, zahlende Auftritte in kleinen Clubs und Tauchgängen zu landen. Es dauerte mehr als ein Jahrzehnt, bis er wieder auf den Beinen war, schließlich landete er mit Smash Records ein paar Country-Hits und tourte in die 2000er Jahre. Aber das Rock and Roll-Erbe des Killers wird weiterleben, und er ist zu Recht Mitglied sowohl der Rock and Roll- als auch der Rockabilly Halls of Fame.

7

Kleiner Richard

Richard Wayne Penniman, alias Little Richard, sagte einmal "Boogie-Woogie und Rhythmus & Blues gemischt, ist Rock and Roll". Ich würde sagen, das ist eine ziemlich genaue Beschreibung, und Little Richard war wie ein Verrückter. Penniman wuchs im tiefen Süden auf und war eines von zwölf Kindern aus einer eng zusammengefügten religiösen und musikalischen Familie, die oft in örtlichen Kirchen auftraten. Gospelkünstler der 30er und 40er Jahre sowie frühe Jump-Blues-Stile beeinflussten ihn stark, ebenso wie der wenig bekannte Eskew Reader Jr. (alias Equerita), dessen Stil möglicherweise als Penniman bezeichnet wird. Ganz gleich; Seine unglaublich flamboyante Persönlichkeit, sein explosiver Gesang und sein hartes Klavier trieben die Marmeladen definitiv. Er brachte eine Reihe von mittlerweile klassischen Hits hervor, die die Charts 1956-57 überfluteten, insbesondere Long Tall Sally, Rip It Up und Lucille, die alle die Nummer eins in den R & B-Charts erreichten.

Zahlreiche andere Hits platzierten sich in den Top Ten, darunter wahrscheinlich sein bekanntester Song, Tutti Frutti. Er spielte auch den Titelsong für den Kultklassiker Rock Girl 1956, The Girl Can Help It. James Brown und Otis Redding zählen zu denen, die direkt von Little Richard beeinflusst werden, ebenso wie Rock-Koryphäen wie Bob Dylan, Mick Jagger, John und Tom Fogerty und The Beatles, die einige seiner Songs zu Beginn mitgespielt haben. Paul McCartney hat gesagt, dass er als junger Fan immer wie Little Richard singen wollte.

Ende 1957, auf dem Höhepunkt seiner Popularität, gab Little Richard abrupt Rock and Roll auf, um Gospelmusik aufzunehmen, und schrieb sich an der Bible College ein, um ein evangelistischer Minister zu werden. Er kam im Laufe der Jahre immer wieder zum Rock-and-Roll-Rennen und erfreute sich nachhaltiger Beliebtheit, konnte seinen früheren Chart-Erfolg jedoch nie erreichen. Trotzdem ist Little Richard eine Schlüsselfigur im frühen Rock and Roll und gehörte zu der ersten Gruppe von Künstlern, die in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen wurde.

6

Buddy Holly

http://www.youtube.com/watch?v=mt02zuoxGj4

Fast jeder kennt die Geschichte des tragischen Flugzeugabsturzes vom 3. Februar 1959, der das Leben des geliebten Buddy Holly mitsamt den Musikerkollegen Ritchie Valens, JP Richardson (alias The Big Bopper) und dem Piloten Roger Peterson zum Opfer fiel waren unterwegs zwischen Gigs einer Winterkonzert-Tour. In seiner gesamten Karriere von rund 18 Monaten hinterließ Buddy Holly jedoch ein bleibendes Erbe der Rockklassiker und beeinflusste praktisch jeden aufstrebenden Rock- und Walzerwuchs. Charles Hardin Holley (später in Holly gewechselt) wurde in Lubbock, Texas, zu einer musikalischen Familie geboren und wuchs früh auf, nahm Gitarre, Geige und Klavier und sang in den Kirchen- und Schulchören.

Als Teenager gründete er zusammen mit Freunden aus der Highschool die Bands Buddy & Bob Western und Bop, die lokal auftraten und regelmäßig in einem lokalen Radiosender aufgeführt wurden. Der Sender förderte auch Country- und Rockabilly-Shows in der Region, wobei er häufig die Western- und Bop-Band als Eröffnungsakt angriff. Eine dieser Shows zeigte einen jungen Elvis Presley, der Holly dazu brachte, sich von einem Country-Sound in Richtung Rock and Roll zu bewegen. Mit seiner neuen Band The Crickets bei der Decca-Tochter Brunswick Records unterzeichnet, schoss seine 1957-Single That'll Be the Day die Nummer eins. Weitere Hits folgten, darunter viele posthume Veröffentlichungen. Er war ein Innovator im Studio, der Double-Tracking-Techniken einsetzte und sich auch mit Orchestrierung beschäftigte. Holly (wie Elvis) half, die Kluft zwischen dem schwarzen und weißen amerikanischen Publikum zu überbrücken. Er war einer der ersten (möglicherweise das Zunächst variieren die Quellen) weiße Darsteller im historischen Apollo-Theater von Harlem und gewannen schließlich die Menge. Lennon und McCartney haben Holly als maßgeblichen Einfluss genannt, und die Jungs aus Liverpool sollen ihre Idee für ihren Namen Beatles als Ableitung der Crickets gefunden haben. Ein Cover von Hollys Not Fade Away war die erste US-amerikanische Single der Rolling Stones, die regelmäßig von zahlreichen anderen Bands aufgeführt wird.

Bonus-Kleinigkeiten: Don McLeans 1971-Hit America Pie enthält einen lyrischen Haken: "Der Tag, an dem die Musik starb". Dies ist ein Hinweis auf die Tragödie, die Holly, Valens und Richardson an diesem schicksalhaften Tag zum Opfer fielen.Er ist notorisch zögernd, über die Bedeutung hinter den interessanten Texten dieses Songs zu sprechen, räumte jedoch ein, dass Hollys Tod ein Ereignis in seinem eigenen jungen Leben war, das ihn tief getroffen hatte.

5

Gene Vincent

Der Nachfolger von Vincent Vincent Craddock, Gene Vincents Erbe, wird immer von einem monumentalen Lied definiert, dem Be-Bop-A-Lula von 1956, das als einer der legendärsten Songs in der Rockabilly-Geschichte gilt. Ohne Vincent 'schweren Motorradunfall im Jahr 1955, kurz vor einem sechsjährigen Militäraufenthalt, hätten wir uns dieses Klassikers beraubt. Während seiner Genesung in einem Krankenhaus der US Navy traf Vincent, ein Gitarrist seit seiner Jugend, seinen Mitpatienten Donald Graves, der das Lied gemeinsam mit ihm geschrieben hatte. Vincent kaufte die Rechte für das Lied von Graves für weniger als 50 US-Dollar. Nach seiner militärischen Karriere als Folge der Verletzung (sein Bein war schwer beschädigt, kaum vor Amputationen gerettet und hatte ihn mit bleibendem Hinken und chronischen Schmerzen zu tun), setzte Vincent sich selbst in Musik und spielte Country-Songs für einen lokalen Radiosender in seine Heimatstadt Norfolk Virginia. Der Moderator der Station, Tex Davis, wurde sein Manager und stellte eine Begleitband zusammen, die die Einheit Gene Vincent und His Blue Caps nannte. Eine Demo wurde an Capitol Records geschickt, was zu seiner Unterschrift führte und eine vierstimmige Aufnahmesession, bei der die Single Woman Love mit Be-Bop-A-Lula auf der B-Seite produziert wurde. Nachdem die Woman Love von Radio Jocks als zu "zu suggestiv" empfunden wurde, begannen sie, die Flip-Seite zu spielen, die die Pop-Charts 20 Wochen lang besetzte und bis auf # 7 stieg. Vincent und seine blauen Kappen hatten auch eine Szene, die diesen Song in dem zuvor erwähnten Film The Girl Can Help It szenisch stahl.

Abgesehen davon kann man nicht über die Blue Caps sprechen, ohne den genialen Cliff Gallup auf der Leadgitarre zu erwähnen. Sein Aufenthalt bei der Band war kurz; Im frühen Blue-Caps-Katalog spielte er ungefähr 35 Songs, aber das genügte, um ihn als einen der besten Gitarristen des frühen Rock and Roll zu etablieren. Insbesondere Jeff Beck nennt Gallup als einen großen Einfluss und 1993 veröffentlichte er ein Album mit Vincent Covers als Tribut an Gallup. Leider konnte ich keine Live-Blue-Caps-Clips mit Gallup finden, so dass dieser schöne von Be-Bop-A-Lula, circa 1958, ausreichen wird. Hier sehen wir seinen Ersatz, den nicht allzu schäbigen Johnny Meeks an der Gitarre, der selbst Mitglied des Rockabilly HoF ist, aber er ist kein Gallup. Hören Sie sich die Studioversion dieses Songs als Vergleich an, aber wenn Sie ein Gitarrenfan oder -liebhaber sind, bitte ich Sie, sich selbst einen Gefallen zu tun und einige der frühen Blue-Caps-Aufnahmen nachzuschlagen. Race With the Devil, Who Slapped John und Bluejean Bop sind gute, aber ich empfehle das Cruisin von 1956, wenn Sie ein fantastisches Beispiel von Gallups blitzschnellen Läufen hören möchten. Es hält auch heute noch, aber für diese Zeit ist er einfach unglaublich.

Vincent trat 1998 in die Rock Hall of Fame ein und war der erste Beitrag der Rockabilly Hall (Zertifikatnummer 0001), der 1997 vorgestellt wurde. Leider waren Vincents spätere Jahre von chronischen Schmerzen und Alkoholismus geplagt und er starb 1971 an einem Magengeschwür das Alter von 36 Jahren

Bonus-Kleinigkeiten: George Harrisons „Rocky“, der berühmt handgemalte psychedelische Stratocaster von Magical Mystery Tour, enthält das Wort „Bebopalula“ als Hommage an Vincent. Sie können hier ein Bild von George sehen.

4

Eddie Cochran

Beeinflusst von Gitarrenpicking-Größen wie Joe Maphis und Chet Atkins, begann Eddie Cochrans Karriere in der Country-Musik. Er spielte mit Sänger Hank Cochran (keine Beziehung) als The Cochran Brothers. Nach der Geschichte, als Elvis in einem Konzert von 1956 auftrat, wechselte Eddie zu einem rockigeren Stil, und die Cochran Brothers trennten sich bald, als Eddies Rockabilly-Vorlieben zu seiner wahren Bestimmung wurden. Sein Durchbruch gelang ihm 1956, als er in dem Film The Girl Can Not It den Song 20 Flight Rock aufführte. Ironischerweise verspottete er in einer Szene, in der die Szene gefahren wurde, wie ein „Kerl mit einer nicht trainierten Stimme“ zu einem der besten Rekord-Stars werden kann in dem Land".

Cochran schrieb mehrere Hits. Sein größter war Summertime Blues, der später von Blue Cheer und the Who in Erinnerung geblieben war. Sein Einsatz von Overdubbing-Techniken im Studio für Songs wie Summertime Blues und C'Mon Everybody war zu dieser Zeit innovativ. Leider wurde seine Karriere unterbrochen, als er 1960 im Alter von 21 Jahren bei einem Verkehrsunfall auf Tournee mit seinem Freund Gene Vincent in Großbritannien getötet wurde. Ebenfalls im Auto mit Cochran befanden sich Eddies Freundin Sharon Sheeley, die unverletzt war, und Vincent, der ein gebrochenes Bein (das gleiche Bein wie das bereits bei seinem früheren Motorradunfall beschädigte Bein) und andere Verletzungen erlitt. Wie Buddy Holly hat Eddie Cochrans frühzeitiger Tod in einem so jungen Alter zu einem unsterblichen Kultstatus geführt, und er ist sowohl im Rock and Roll als auch in den Rockabilly Hall of Fame verankert.

Bonus-Kleinigkeiten: Cochrans 20 Flight Rock war ein Lieblingslied eines jungen Paul McCartney, und als er John Lennon im Jahr 1957 traf, beeindruckte er John so sehr, dass er ihm die Akkorde beibrachte und alle Worte auswendig kannte, sodass John Paul bat, sich seiner Skiffle-Gruppe The anzuschließen Steinbruchmänner

3

Bo Diddley

http://www.youtube.com/watch?v=sgBbmuD_LQw

Ellas Otha Bates wurde 1928 in McComb, Mississippi, geboren und wurde als junger Mann von der Cousine seiner Mutter adoptiert und großgezogen, was zu einer Namensänderung in Ellas McDaniel führte. Die Geschichten variieren, wie er den Spitznamen Bo Diddley erhielt, und Bo selbst scheint sich nicht zu erinnern. Ursprünglich klassisch als Geiger ausgebildet, änderte Bo seinen Kurs, nachdem er eine Aufführung des Bluesman John Lee Hooker gesehen hatte.Auch als "The Originator" bekannt. Aufgrund seiner Rolle in der Verschmelzung des Blues in Rock and Roll setzte Bos Signature-Style einen hämmernden Beat ein, "den er als Schlagzeuger auf einer Gitarre spielte". Er nutzte Reverb, Tremolo und Distortion, die damals innovativ waren. Bo entwarf seine eigenen Gitarren, und ab etwa 1959 wurde er selten, wenn überhaupt, ohne sein Markenzeichen "Zigarrenschachtel" gesehen, den er als "Big B" liebte. Später beauftragte er einen australischen Gitarrenbauer mit einem Ersatzgerät mit quadratischem Körper, den er "The Mean Machine" nannte. Bo ist auch als einer der ersten Rockkünstler bekannt, der weibliche Musiker in seine Band aufgenommen hat, insbesondere The Duchess (Norma-Jean Wofford) und später Lady Bo (Peggy Jones).

Seine erste Single war 1955, mit der doppelten A-Side-Veröffentlichung seines gleichnamigen Songs Bo Diddley, der mit I'm a Man umgedreht wurde. Beide erreichten den ersten Platz in den R & B-Charts, obwohl die meisten Leute wahrscheinlich mit den Yardbirds vertraut sind 'Außergewöhnliches Cover von I'm a Man wurde zehn Jahre später veröffentlicht. Es folgten viele weitere Songs, und obwohl es keine großen Hits mehr gab, wurden Klassiker wie Roadrunner und Who Do You Love zu Rock-and-Roll-Standards. Bos Einfluss erstreckt sich auf viele bekannte Bands und Musiker, insbesondere die Stones, Who, Animals, Clapton, Hendrix, Billy Gibbons, George Thorogood und sogar AC / DC. Bo Diddley ist Mitglied der Rock and Roll und der Rockabilly Hall of Fame. Er starb am 2. Juni 2008 im Alter von 79 Jahren friedlich zu Hause.

Bonus-Kleinigkeiten: Als Bo und seine Band 1955 in der Ed Sullivan Show auftraten, wollte Sullivan, dass sie den Tennessee Ernie Ford-Song Sixteen Tons spielen, stattdessen spielten sie Bo Diddley. Dies machte Sullivan wütend, der, laut Bo, ihn als "den ersten farbigen Jungen bezeichnete, der ihn je doppelt gekreuzt hat" und erklärte, "dass er nicht sechs Monate bestehen würde". Das trotzige Grinsen von Bo zu einem Off-Camera-Sullivan, kurz bevor er anfängt zu spielen, ist unbezahlbar.

2

Carl Perkins

http://www.youtube.com/watch?v=79CJON8fv6c

Carl Lee Perkins wuchs auf einer Baumwollplantage in der Nähe der kleinen Stadt Tiptonville, Tennessee, dreckarm auf, und als kleiner Junge, der neben schwarzen Feldarbeitern arbeitete, lernte er südliche Gospelmusik kennen und lernte Gitarre aus einer älteren Feldhand. Als er in den 40er Jahren ein Teenager war, hatte er mit seinen beiden Brüdern eine Band gegründet. Die Perkins Brothers Band wurde bald zu einer der beliebtesten Acts der hiesigen Honky-Tonk-Bar. Als er ein großer Fan von Bill Monroe war, als er Elvis im Radio hörte, der einen seiner Songs berichtete, wurde er inspiriert, zu Sun Records nach Memphis zu reisen, um dort für Sam Phillips vorzuspielen. Dort schnitt er eine Single ab, einen Country-Song, der mit 14 geschrieben wurde, genannt Movie Magg, und hatte nur minimale Auswirkungen. Ungefähr zu dieser Zeit verließ Elvis Sun für RCA und Phillips ermutigte Perkins, einen rockigeren Stil zu verfolgen, was zu seiner Aufnahme seines mittlerweile klassischen Songs Blue Suede Shoes führte. Es war 1956 und diese Melodie brachte Perkins auf die Karte, als es auf Platz 1 der Country-Charts und Nummer 2 in den Pop- und R & B-Charts schoß, und wurde Suns erster Verkaufsschlager. Perkins und seine Band waren bereit, von dieser nationalen Aufmerksamkeit zu profitieren. Gigs standen in den Fernsehsendungen von Ed Sullivan und Perry Como auf dem Programm, aber auf dem Weg nach New York waren sie bei den Auftritten in einen schweren Verkehrsunfall verwickelt das Auto, in dem sie alle fuhren, schlief am Steuer ein. Der Fahrer wurde getötet und Perkins erlitt einen gebrochenen Schädel und einen gebrochenen Arm. Sein Bruder Jays Hals war gebrochen, und obwohl er nicht gelähmt war, erholte er sich nie vollständig.

In dem Clip von 1957, den ich hier ausgewählt habe, sieht man Jay auf der Bühne, als er die zweite Gitarre spielte, aber immer noch in einer Halskrause, und er würde nur ein Jahr später an den Folgen der Verletzung sterben. Wenn dieses Unglück für die Perkins Brothers nicht schlimm genug war, nur wenige Monate nach dem Unfall, als sie sich noch im Krankenhaus erholten, sahen sie, wie Elvis seine eigene Version von Blue Suede Shoes aufzeichnete und sie in der Fernsehserie Dorsey Brothers aufführte. Das Lied wurde zu Elvis 'drittem und bis dato größtem Hit, der auf Platz 20 landete, und Perkins' Impuls wurde kaltgestellt. Er begann jedoch wieder bei Sun zu schreiben und aufzunehmen, veröffentlichte mehrere weitere, jetzt klassische Rockabilly-Songs, tourte in den sechziger Jahren und später als Mitglied von Johnny Cashs Band und schrieb sogar einen Hit für ihn. Obwohl Perkins nie wieder den gleichen Chart-Erfolg wie bei diesem ersten Million Verkäufer erzielte, ist sein Platz in der Musikgeschichte absolut solide.

Bonus-Kleinigkeiten: Alle vier Beatles waren große Fans von Perkins und nahmen mehr Cover seiner Songs auf als jeder andere Künstler. Vor allem George zitiert Perkins 'Stil als großen Einfluss, und Paul sagte einmal: "Wenn es keinen Carl Perkins gäbe, gäbe es keine Beatles." Perkins 'Honey Don't wurde später zu einem oft gespielten Ringo-Gesangsinstrument für sie, und die Jungs hatten sogar Carls Anwesenheit bei ihrer Aufnahmesitzung von 1964 für dieses Stück angefordert, was zu einer langen Freundschaft zwischen ihnen führte.

1

Chuck Berry

http://www.youtube.com/watch?v=gsp4VCbVvn4

Nach meiner Einschätzung ist Chuck Berry der einflussreichste Rockmusiker aller Zeiten. Es war Berrys eigener Held, Muddy Waters, der Berry überzeugte, Leonard Chess von Chess Records wegen einer Audition zu kontaktieren, die zu seiner Aufnahme von Maybellene im Jahr 1955 führte. Dieser Song erreichte Platz 1 der Billboard R & B-Charts und verkaufte über eine Million Exemplare und er war unterwegs.Seine umfangreiche Diskografie umfasst Klassiker wie Roll Over Beethoven, Too Much Monkey Business, Rock-and-Roll-Musik, Carol, Sweet Little Sixteen, Little Queenie und natürlich den Maßstab, an dem alle anderen Rock-and-Roll-Songs gemessen werden: Johnny B. Goode So viele bemerkenswerte Künstler haben Berrys Arbeit über die Jahre abgedeckt, sodass ich nicht einmal versuchen werde, sie alle aufzulisten. Ted Nugent witzelte einmal: "Wenn Sie nicht jeden Chuck Berry-Leck kennen, können Sie keine Rockgitarre spielen." Schauen Sie sich diesen Clip von Roll Over Beethoven an und Sie können sehen, wo Pete Townsend und Angus Young einige ihrer Bühnenschritte gemacht haben. Berry's Showmanship und Gitarrensolo waren der Prototyp für zukünftige Generationen von Rockern. Wie bei vielen anderen auf dieser Liste war er auch in Übersee ein großer Anhänger und trug dazu bei, die bevorstehenden britischen Invasionsakte zu gestalten.

Die Rolling Stones waren große Fans, und insbesondere Keith Richards nennt Berry als einen Haupteinfluss. Die Stones 's enthielten eine Berry-Melodie auf jedem ihrer ersten Alben, und ihre allererste Single war eine Wiedergabe von Berry's Come On. Die Beatles berichteten auch ausführlich über ihn, und die Yardbirds and Animals hatten auch mit Beerengeschriebenem Erfolg Erfolg. Leider hatte Berrys Karriere später einige unangenehme Flecken wegen einiger schmutziger persönlicher Angelegenheiten, aber wie ich bereits in einem früheren Beitrag erwähnte, konzentriere ich mich nur auf ihre Musik und ihre Beiträge zur Rock'n'Roll-Geschichte. In dieser Hinsicht ist es meiner Meinung nach, dass Chuck Berry die Liste mit weitem Abstand anführt.

Bonus-Kleinigkeiten: The Beach Boys 1963, Surfin USA, ist eine krasse Abzocke von Berry's Sweet Little Sixteen, mit einer fast identischen Melodie und einem "Stadt für Stadt" -Lyrik-Thema (ganz zu schweigen von der Aufhebung des Eröffnungsriffs von Duane Eddys Movin 'n Groovin' ). Als Brian Wilson ursprünglich von den Beach Boys veröffentlicht wurde, wurde er als einziger Komponist aufgeführt. Nachdem Berry jedoch von einer Klage bedroht worden war, erhielt er alleinige Schreibrechte und Lizenzgebühren für Surfin USA.

Bonus

Fette Domino

http://www.youtube.com/watch?v=uORo2CMUUsk

Wieder einmal befand ich mich in einer Zwangslage, in der ich wirklich einen bestimmten Performer einbeziehen wollte, aber ich konnte mich nicht entscheiden, wer aus den Top 10 herausstoßen sollte, um Platz zu schaffen. Anstatt für immer zu schwatzen, füge ich New Orleans eigenen Antoine „Fats“ Domino hier als Bonus hinzu. Offensichtlich nicht so wild oder extravagant wie die anderen begeisterten Pianisten auf dieser Liste, ist es vielleicht seine bodenständige Natur und seine unaufdringliche Persönlichkeit, die ihn zu einer dauerhaften Figur für Musikfans gemacht hat. Seine erste Single, The Fat Man (1949), wird von vielen als der erste Rock & Roll-Rekord angesehen, und in einer Karriere, die Verkäufe von über 65 Millionen Tonträgern und nicht weniger als siebenunddreißig Top 40-Singles (elf In den Top 10 und neun R & B-Nummern 1) hatte er mehr Hits als jede andere Rocklegende der 50er Jahre, außer Elvis. Er war eine wichtige Figur beim Übergang von Rhythmus und Blues zu Rock and Roll, wie sein erster Crossover-Top-10-Pop-Hit im Jahre 1956, Ain't That a Shame. Zu seinen weiteren bemerkenswerten Hits gehören Blue Monday, I'm Walkin ', I'm In Love Again und natürlich seine unvergessliche Interpretation von Blueberry Hill. Neben seinen eigenen Platten ist Domino auch für bekannte Größen wie Big Joe Turner und Lloyd Price zu hören.

Er hat viele zukünftige Rockpianisten inspiriert und beeinflusst, darunter Paul McCartney, Billy Joel und Elton John. In der ersten Klasse der Rock'n'Roll-Hall of Fame-Anwärter sprach Billy Joel im Namen von Domino und dankte Domino dafür, dass er "bewiesen hat, dass das Klavier ein Rock'n'Roll-Instrument war". Obwohl ursprünglich gedacht, dass er 2005 in den Fluten des Hurrikans Katrina ums Leben gekommen war, lebt Domino noch immer in gutem Zustand. Er lebt in seinem geliebten Haus in New Orleans und wurde zum Teil mit Erlösen aus dem Verkauf eines Wohltätigkeits-Albums Goin 'Home: A Tribute to Fats wieder aufgebaut Domino, das von vielen namhaften Künstlern Cover enthält.

Bonus-Kleinigkeiten: Laut Bob Spitzs Buch "The Beatles: The Biography" aus dem Jahr 2005, war das erste Lied, das John Lennon auf seiner Gitarre zu spielen lernte, Fats 'Ain't That a Shame, das John und seine Freundin von Johns Mutter während der Entstehungsphasen lehrten würde die Quarrymen werden. Jahre später war die Lady Madonna der Beatles eine Art Tribut an Dominos Stil, und Domino selbst deckte ihn 1968, seine letzte Chartsingle, ab.